1. Amor Humano


Imágenes cortesía de Km 0.2 
          
Amor Humano explora el tema de la violencia contra la mujer en el país de origen del artista Iván Sikic: Perú. Se cree que el dicho “Amor Serrano, más me pegas más te quiero” y utilizado de manera muy común a través de todo Perú, se originó en esta región, y es un ejemplo contundente de la manera en la que la violencia doméstica ha sido normalizada en la cultura local. El artista utiliza el juego de palabras para crear Amor Humano, haciendo alusión a una problemática global. 

Amor humano fue presentado originalmente en 2017, como parte de un performance interpretado por cinco bailarinas, una orquesta de Huayno local y un maestro de ceremonias que acompaña la procesión. A lo largo de la acción, las bailarinas son acompañadas por una orquesta que interpreta temas de Tunantada (un sub género de Huayno), mientras visten indumentarias típicas de este baile (típico de la Sierra Peruana). Estos vestidos incluyen una serie de capas bordadas a mano diseñadas por Sikic en colaboración con el artesano local Roland Quintana Rafael. En las capas, también se encuentran bordadas las fechas, ciudades, y nombres de mujeres (tomados de titulares de periódicos locales de Perú) que fueron asesinadas a manos de sus amantes. Como parte de la procesión, el maestro de ceremonias que acompaña al grupo, va proclamando el propósito del ritual, junto con los nombres de 150 mujeres de todas partes del mundo que también fueron víctimas de feminicidio.

En Perú, cifras del Ministerio Público revelan que un promedio de once mujeres al mes fueron asesinadas entre 2009 y 2016. En respuesta a estas cifras, en agosto de 2017, Sikic presentó esta acción en el Cementerio Nueva Esperanza, localizado en Villa María del Triunfo, un distrito en la periferia de Lima, Perú, también como una especie de homenaje a las víctimas de este tipo de violencia. Capturado a través de vídeo, audio y foto, este performance toma como punto de partida los sonidos, rituales y estéticas del Huayno, un género musical de la región Andina de Perú y Bolivia, también denominada ‘Sierra’, en el cual la voz principal siempre es femenina.

Para su exhibición en KM 0.2, Sikic propone presentar este cuerpo de trabajo a través de las capas, fotos y el sonido que conformó el performance, acompañados por 5 papas de bronce sobre montañas tierra. Las papas (cuyo origen endémico es Perú) hacen referencia al mito que cuenta que las mujeres de la sierra y selva de Perú se introducían papas en la vagina para prevenir violaciones de la guerrilla armada y el ejército Peruano durante los años 1980s y 1990s. El artista ha creado un espacio más que espiritual y de respeto con los cuerpos que entran y salen de la sala, al pedirle a los visitantes entrar descalzos a la sala de exhibición. Interviniendo la galería apelando los sentidos, Sikic propone un cielo invertido al pintar el suelo de la sala de azul celeste, invitándonos a ponernos en la posición de las cientos de mujeres que son víctimas de violencia en Perú cada año.

Iván Sikic (n. 1983, Lima, Perú) crea obras sobre temas que considera insostenibles: como la violencia afecta a las mujeres, la destrucción de recursos naturales a cuestas de la avaricia, el consumismo masivo, el trato injusto a comunidades marginadas y lo que signifca la experiencia del inmigrante. Sikic responde a estos temas a través de performance duracionales, escultura, instalaciones, intervenciones públicas y fotografía. Su obra ha sido presentada en el 8th Floor (Nueva York), Smack Mellon (Brooklyn), KM 0.2 (Lima, Ciudad de México), Luis Adelantado (Bogotá, Madrid, Valencia) entre otros, y ha sido parte de residencias artísticas en Estados Unidos, Europa, Latinoamérica y Australia. En Septiembre de 2019, Sikic presentará su primera comisión institucional en los jardines del Museo de Arte Contemporáneo de Lima. Actualmente Sikic vive y trabaja en Brooklyn, NY.
Mark

2. WOTY 2.5: Raúl



Images courtesy of Camille Rouzaud 

Word of the Year 2.5: Raúl is a project by French artist Camille Rouzaud. Raúl is a series of four printed photos on canvas and small concrete and glass sculptures which are composed of printed images and stills extracted from a 2015 documentation video shot inside an apartment building in San Juan, Puerto Rico, where the artist Camille Rouzaud lived and established a friendship relationship with a teenage named Raúl. Rouzaud is interested in capturing the performativity and energy that the corporeal  body carry with each of us. Through incorporating sculptural materials such as concrete, glass, wood and stone, she emphasizes the emotional weight of her subjects. Rouzaud is interested in the complexity of human existence: investigating how individuals interact with one another and exploring limitations of freedom among peers and family units. Much like the people she portrays, her work is in constant flux. Through this motion of making fixed objects, she creates a time capsule that celebrates personal histories, ethnicities, complexities rather than generalizations and linear narratives.

Artist Statement:

“The capacity for resistance, as a teenager, fascinates me. When your environment isn’t easy, you just have this unconscious strength coming out of you without even realizing it, without knowing anything else. That’s how you get through the tough times. In a raw or more poetic way, the freedom, a defiant look, the intimacy, the identity into/of the diversity, the courage, the sweetness linked to the violence are what I’m looking for in all of my work. My own capacity of resistance when I was a young teenager and my own capacity here as an artist.”

- Camille Rouzaud

Camille Rouzaud (b.1986 in Narbonne, France) is an artist living and working in New York City. Recent solo exhibitions: DIAGONAL, San Juan, Puerto Rico, 2018, LAPAIX in  PARIS, 2018. Selected group exhibitions: IMPLOSION: FRAGMENTOS Y POSSIBILIDADES, San Juan, Puerto Rico, 2018, FORGOTTEN LANDS, Brooklyn, New York, 2017, THE HOUSE OF BLAHBLAH, Middlesbrough, England, 2017,  HIDRANTE, San Juan, Puerto Rico, 2017, among others.

More info at Hunter East Gallery

Mark

3. Tangible, Nora Maité 

 

Images courtesy of José López Serra

La práctica interdisciplinaria de Nora Maité Nieves parte del dialogo sobre la pintura expandida. Sus pinturas, dibujos y esculturas exploran cómo definimos o materializamos el sentido de pertenencia en nuestra relación con los espacios arquitectónicos domésticos. Nieves hace referencia a los detalles ornamentales de la arquitectura domestica, en especial a las superficies de pisos, paredes, y losetas del Caribe y de múltiples lugares en los que ha vivido entre Puerto Rico y los Estados Unidos, incorporando los variados elementos de estos espacios. A través de un tratamiento cuidadoso de las superficies y los materiales que emplea, Nieves crea un trampantojo físico que juega con nuestra percepción de la pintura como objeto. La artista también juega con las ideas de la ornamentación en los objetos y sus valores místicos, como por ejemplo los amuletos, reliquias familiares y la joyería.

Nora Maité Nieves reside y trabaja en la ciudad de Nueva York. Recibió su MFA en The School of the Art Institute of Chicago en Chicago, Illinois y su BFA en La Escuela de Artes Plásticas de Puerto Rico en San Juan, Puerto Rico. Sus exhibiciones colectivas recientes incluyen Eddy’s Room, curada por Austin Eddy, Galleri Thomassen, Gothenburg, SE (2018), Lo Natural en Unisex Salon Gallery, Brooklyn (2018); US; Expansive Threads curada por Edra Soto en The Latino Arts Gallery en Milwaukee, US (2018); Gallery Chicago en The Ukrainian Institute of Modern Art, Chicago, US (2017); Material en The National Museum of Puerto Rican Arts and Culture, Chicago, US (2016); Terrain Biennial en Chicago, US; y Where The Heart Is en Fresh Window Gallery en Brooklyn, US (2015).

Images courtesy of José López Serra 

Nieves makes references to the ornamental details of domestic architecture, specially the surfaces of floors, walls, and tiles from the Caribbean and the multiple places where she has lived between Puerto Rico and the United States, incorporating the varied elements of these spaces. Through careful treatment of her surfaces and the materials that she employs, Nieves creates a physical trompe l’oeil that plays with our perception of painting as object. The artist also plays with the ideas of ornamentation of objects and their mystic value, such as amulets, family heirlooms, and jewelry, for example.

Nora Maité Nieves lives and works in New York. She received her MFA from The School of the Art Institute of Chicago, and her BFA from La Escuela de Artes Plásticas, in San Juan. Recent group exhibitions include Eddy’s Room at Galleri Thomassen, curated by Austin Eddy, Gothenburg, SE (2018), Lo Natural at Unisex Salon Gallery, Brooklyn, U (2018); Expansive Threads, curated by Edra Soto, at The Latino Arts Gallery in Milwaukee, US (2018); Gallery Chicago at The Ukrainian Institute of Modern Art, Chicago, US (2017); Material at The National Museum of Puerto Rican Arts and Culture, Chicago, US (2016); Terrain Biennial in Chicago, US; and Where The Heart Is at Fresh Window Gallery in Brooklyn, US (2015).

Mark

4. About-Work




Images courtesy of División de Diseño

 
In a world where unlimited access to content is the norm, fine art remains gated to the large majority of the public. In an attempt to redefine how art can reach further than the traditionally restricted pools of art academics, collectors, and enthusiasts, the artists reflected on their conversations by coupling Cabret’s paintings with Julia’s photography and archiving them in a custom-built web platform that lives beyond exhibition dates, space, and institutional confines. By creating a virtual space for their work, not only are the artists improving on creating space for accessibility, but they also foster a more intimate setting between the spectator and the work. about-work.net is meant to establish a dialogue between the exhibition space and the virtual space when consumers are encouraged to utilize their mobile devices to experience the artworks.

About-work.net is a collaboration between Ricardo Cabret, Maximilián Juliá and División de Diseño







Images & video courtesy of División de Diseño
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